摄影摄像是用光来绘画（Photography = Photo光子 + Graphy绘画），离开了光影就难以刻划形象和营造气氛。布光最主要要抓住三点：光的强度大小（Brightness），光的明暗对比（Contrast），和光的颜色-色温（Color temperature）前两者对黑白摄影摄像有用，如果要拍彩色电影，三者都要精确调节。佳能新推出的1D Mark IV的感光系数ISO可达10万，推算起来比EX-1和EX3要好五级光圈，几乎可以不要任何外在光源条件下拍摄。
当然，单纯谈亮度是不够的，还需讲究光的明暗对比，人物受光面和背光面的亮度对比控制在2：1或3：1左右，摄像的效果最佳。单反相机为了能保留下更多的细节，就必须把景物之间的反差的距离缩小。如果光线反差降低的话，照片本身就显得灰。所以单反不能直接出片，必须经过后期对曲线进行调整。可以根据自己的需要保留想留下的影调，再提高反差。如果拍彩片，电影电视以及摄影都是在二种色温的情况下拍摄的。一种是5600K色温下拍摄的（户外自然光太阳光拍摄）；另一种是3200K色温（户内钨丝灯灯光下拍摄）。在摄影前，必须调白平衡，让摄影机在现场的光源下，以我们所知的白色物体（通常是白纸）所呈现出来的色泽当成标准的白色，这样其它的颜色就可以有一个标准可依循，摄影机就可以呈现出较接近真实的色彩。
摄影摄像领域题材划分很细，舞台摄影摄像是最难、最不容易掌握的一门创作艺术。舞台摄影摄像易学难精，是对摄影摄像师综合能力的考验。舞台摄影摄像师不但要有熟练的技术和敏捷的反应，同时还得具有一定的音乐绘画和美学修养。舞台摄影摄像拒绝单纯地记录，必须转向艺术创作，摄影摄像师对一部戏的整体氛围，对空间和层次的把握必须要有艺术感觉。舞台摄影摄像师最要紧的是要懂戏，懂得舞台节奏，明白戏情戏理，因为懂戏就可以拍到戏里的那些关键点。要读剧本，泡排练厅，听导演阐述，看台上合成以及和设计者交流。必须多看经典剧照，学习揣摩前辈艺术家最希望定格的画面。再有就是要研究不同的演员的特点，他们在台上表演，演员周围的环境场景氛围，演员的口型表情和身段，和画面整体美，才能捕捉到他们最好形象的特写镜头。一场演出，其典型象征意义的场面和精彩的瞬间是有限的，对舞台的最佳拍摄时机--典型瞬间的预见性，为舞台摄影摄像师所必须具备的内在素质。
舞台摄影摄像师要利用一切途径预先对剧情进行了解和研究，掌握情节的发展，找出应当重点拍摄的场景，为实拍做好必要的准备。对剧情的了解，只掌握剧情发展的情节是远远不够的，还必需在视觉上有形象的了解，即摄影摄像师的脑子里要有非常具体的画面，主要演员的位置、具体动作，都要尽可能在事先做到心中有数，拍摄时才能从容不迫，掌握好适当的瞬间。所以，摄影摄像师应当尽量争取多看几次演出。如无这种条件，多看看彩排，确定拍哪些场面，在什么瞬间拍，什么拍摄角度，应该选用多长焦距的镜头等等。如果没有后门可开，节目开始前购买一份节目单能了解一些有用的信息，以对内容过程基本有数。而对于有名的舞剧，可以事先充分熟悉剧情和音乐。舞台摄影摄像主要靠抓拍，拍摄者很少有时间去思考构图和快门光圈组合，为了不错过佳作，碰到有潜力的场景应多拍，增加拍到好作品的概率。舞台摄影摄像师的现场艺术感觉越强，对摄影摄像技术的理解和掌握越透彻，拍到大作的概率也越高。
舞台摄影摄像的特点是地点相对固定，灯光变化多样，演员的动作不可重复等等。在一台戏的演出中，舞台灯光会有几十种、上百种的变化，尤其是许多戏用黑丝绒做背景，人物在台口处表演，前后光比有时要相差15倍。从摄影角度看，光比如相差5倍以上，胶片都很难体现出舞台空间的层次，CMOS或CCD感光板就更不行。因为场景光线暗淡，明暗对比强烈（舞台背景很暗，但演员面部一般来说很亮），舞台艺术灯光颜色复杂，所以对设备和技巧要求比较高。场景光线暗淡要求大光圈快镜头和配有高感光系数ISO大面积感光板的相机；明暗对比强烈要求增加感光板的面积和使用色彩层次捕捉好的镜头，舞台摄影摄像师注意的不是亮度不够，而是不要过曝；舞台灯光颜色复杂要求把摄影机色温手动调成3200K（钨丝灯Tungsten），因为舞台大多使用3200K标准色温的灯光来打光，用这个来当基准值可以呈现出该有的色彩。在光线条件好时使用长焦镜头拍摄特写很合适，但当光线不好时，手持相机使用长焦镜头拍摄很容易造成照片或视频模糊和晃动，此时使用广角镜头影像相对清晰，当然人物比例缩小了，畸变也会有。最好用三角架，如果条件不允许，起码要用单脚架，防止照片或视频模糊和晃动。
舞台摄影摄像在很大程度上还是以拍摄人物为主，在一个好位置上拍摄有时比摄影技术更重要。到剧场或广场拍舞台照，首先要选好拍摄位置和视角。推荐机位是剧场正厅的3-10排，和舞台中心成120度夹角的区域内，镜头的纵轴线与舞台的纵轴线基本平行。仰拍机位通常在正厅的1-5排，俯拍机位可以考虑二楼厅的1-2排。视角太高拍出来的人物会变形，视角低了看不见人物的脚，在第5-7排的位置上拍摄时视角正好与舞台台面保持平衡。不推荐机位太偏离舞台中央或者离开舞台距离过远，因为光的亮度会随着距离衰减，同样的舞台场景，使用相同的光圈，距离舞台越远，所需要的曝光时间越长，也就越不容易获得清晰锐利的照片。
根据被摄体选择拍摄角度，可以在侧角度多拍摄一些特写，正面舞台的角度多拍摄一些舞台全景或比较稳重的照片。通常选择正面侧30°～60°的角度进行拍摄。大部分演员习惯用右手拿麦克风，所以在演员的左侧方进行拍摄可以更好的防止麦克风挡住面部。一些庄重或对称性的场景则适合正面拍摄，最后的集体造型也适合在正面拍摄。通常舞台灯光的布局是正面光较强，这种正面光会减弱人物的素描关系，人物造型的空间感和层次感会被淡化，光影效果也平淡。而选择偏一点的角度来拍摄，人物有正面光、侧面光和逆光的组合，再加上各种不同色彩光源的丰富，画面的层次感和光影效果都会体现出来。舞台灯光的设计特点是：相对于配角、布景而言主角的左右耳光是最强的，为此要尽量避免主体人物转向左右耳光时拍摄。行家的经验是：侧面较正中为好；尽可能地不在剧场的第一排拍照，仰角拍摄人物易变形；拍大场面全景，楼上一排俯拍最好，前后人物不易重叠。
一般来说，舞台拍摄以100米内为佳，镜头焦距应使用50毫米-400毫米不等，要使用遮光罩以降低杂光的影响。如果在剧场内可以自由行动，拍摄舞台演出最常用的是标准镜头和中长焦距镜头。可以用标准镜头拍摄全景或中景，而用中长焦距镜头拍摄演员的单人舞蹈、独唱、独奏或者近景等。用广角镜头拍摄，往往在画面里包括的边幕太多，构图不够简练，如果需要拍摄较大的演出场面，可以用标准镜头退后一点拍摄。在离台口１０米左右的位置上，用焦距为135毫米的镜头能把单人表演拍满画面，如果演员的表演动作大要用85毫米或50毫米的镜头拍摄，以免动作出画面。如果在剧院前左右侧拍摄，距离舞台较近，佳能135mm F/2 L或莱卡180mm F/2.0 APO Summicron之类的镜头很有用，佳能135mm F/2 L是佳能系列镜头中成像最锐利也最值得保留的一支镜头，莱卡180mm F/2.0 APO Summicron镜头远处成像极为清晰，细节保留超群，具有莱卡特色的色彩层次捕捉能力，可以在计算机上后处理时用数字放大功能（Digital Zoom）将视频放大，也不会有太多失真。
根据剧院大小，在正厅3-10排的位置，70-200mm是最合适的焦段。如果在剧院后方后排甚至最后一排正面拍摄，最起码要300mm F/2.8之类的镜头，因为这类超长焦大光圈快镜头一般都很重（3到5公斤），所以要架在三角架上，那么佳能IS防抖镜头也没必要，这样能省很多花费。佳能的防抖超长焦大光圈快镜头一般都贵得离谱，300mm F/2.8 IS L单价在4000到5000美元，可以考虑买Nikon80年代生产的AI手动超长焦大光圈快镜头，如好成色的二手Nikkor AI 300mm F/2.8大约要1200美元，成像性能不亚于佳能镜头。好成色的二手Nikkor AI 400mm F/3.5大约要2000美元，Nikkor AI 600mm F/4大约要3000美元，是佳能相应IS防抖新镜头单价的1/3。好成色的二手Tokina 300mm F/2.8或SMC Takuma 500mm F/4.5镜头只要800美元左右，但成像性能略逊于Nikon佳能镜头。
在使用佳能7D相机作舞台摄影摄像时，摄像师一般遵循以下程序：
1。调白平衡。在菜单上选取手动白平衡功能：色温3200K或钨丝灯Tungsten，因为舞台基本光是3200K标准色温。静态照片一定用RAW格式存储，在后期调整白平衡有余地，市场上有些软件可以在电脑上调校白平衡，但这些调校会影响相片的质素。
2。设光圈。拍舞台照需开大光圈，这已是共识。大光圈可以将背景虚化，虚化后的背景突出了前面的主体，而背景虚化后朦胧的效果更有一种形式上的美感。不同的镜头背景虚化效果不同，一般认为，光圈越大，焦距越长，虚化效果越好。镜头光学设计不同，虚化效果也不同。
3。测光。选取重点测光功能（Spot Metering）。相比背景来说，舞台上的演出者在射灯照射下光度显得相当高，主体、背景的光差非常大。如果使用相机预设的平均测光，测光受到黑暗的背景影响，拍出来的主体一定会严重曝光过度，只能用重点测光锁定演出者的光度，这样7D可以实现自动曝光。在M手动档设定光圈和快门速度，但选择自动调节感光系数Auto ISO，这样相机会根据重点测光测定的光线强弱自动调节感光系数，达到最佳曝光。在舞台中，若主体在顺光和逆光间不断切换，仍须对重点测光结果作出大幅补偿。补偿量须考虑主体色彩，背景与主体的光比及在画面中的大小比例，光源方向及舞台气氛等。由于舞台上的照明光线会随着剧情变化，时而明亮，时而昏暗，人物的动作也时时处于动态之中，因此使用重点测光自动曝光功能能免去频繁的测量计算及调节工作，可以极大地提高拍摄成功率。
也有专业人士人为，平均测光和重点测光本身并没有优劣之分，要根据实际情况灵活运用，即便是重点测光，如果测光区域恰好落在白色的服装或者黑色的背景上，也会产生完全错误的曝光值，必须根据“白加黑减”的原则进行增减。如果相机使用平均测光模式或偏重中央测光模式，而且摄影者是在观众席上进行测光拍摄，那么，可以根据舞台在取景器中所占据的面积大小来估算应该补偿的曝光量。
一般规律是：当舞台上主要被摄体的面积约为整个取景器的一半大小时，就应在测得的数值上减少2级曝光量进行拍摄，当主要被摄体约占取景器面积的1/3大小时，减少1级曝光量进行拍摄。实用方便而又正确的曝光方法是摄影师根据自己想要表达的东西去进行测光，比如，要表现脸部的表情，就用重点测光测演员的脸，按实际读数再加1档曝光量，其他部分就不用管；如果要表现高光部分，就按重点测出来的实际读数曝光就行了。行家的经验是，曝光务以人物面部为准，可以移动7D高清彩显上的白色对焦框对准演员的面部。如果用佳能的自动镜头，还可以开动7D的人脸识别(Facial Detection)功能，全自动对焦，识别人脸，曝光，但速度较慢，难以适应快速变化的场景。此外，应在7D菜单打开以下选项：Highlight Priority: On，它们可以帮助保留更多高光部分的细节层次。
舞台的光线复杂，变化大。其照明是来自舞台灯光，它比自然光要暗得多，加之每个剧场的灯光条件都不一样，在演出过程中光线常随剧情发展而变化多端，TTL自动测光不能适应，曝光极易失误，此时，经验、技术、手动要比电子测光更为可靠。就算最高级的相机，它的测光系统在复杂的舞台光面前也显得很不可靠。如果舞台照明情况比较稳定，最好使用手动方式对快门光圈组合进行设定，这样会比自动测光方式更为准确。如没有１度窄角测光表时，可以使用照相机的内装式测光系统测光。可以预先用长焦距镜头测光，根据测得的读数确定曝光，然后换上焦距适当的镜头拍摄。每当舞台上的亮度发生变化时，便换上长焦距镜头测光。
以剧场内舞台的各个区域来说，台中心偏前面一点的部位最亮，一般比台边的亮度相差1-1.5级光圈，也比靠近天幕的纵深部位相差1级光圈。所以，要随演员在表演中的位置及时地调整。此外，还必须及时判断有无色光照明，色光会使照明的亮度降低很多，尤其红光、蓝光最暗。可以根据现场，在M手动档，用手动镜头的光圈调节环设定光圈，在相机上设定快门速度和感光系数ISO，从而实现手动曝光。一般先在开场时对着演员的脸部测光，拍一张大特写照片，看看亮度频率图(Brightness Histogram)或色彩频率图(RGB Histogram)是否合适，就可得出基准的曝光组合，然后正式拍照片或视频。在以后的拍摄过程中就根据这个基准的曝光组合来进行手动调整，如果演出者穿全白衣服，就要增加约1级至1.5级曝光(即+1.5EV)，如果穿黑色衣服的话，就要减少约1.5级曝光。
4。对焦。7D自动对焦功能很先进，中央八向双十字、全19点十字型自动对焦。但因舞台光线暗，使用大光圈景深极短，自动测距常常不灵。所以在拍摄舞台演出时，通过目测事先调好焦点的方法是常会用到的。演出前要测量舞台两侧及中间演区的距离，拍照时根据演员的调度活动，按已知的距离手动对焦，成功率较高。可以事先测好舞台中心、舞台前沿、舞台深处、台角等不同部位的距离，记在心中，根据演员表演时的位置迅速调好照相机上的距离际尺便于抓拍。过去手动镜头操作麻烦，最大的问题就在小光圈或暗光下取景框太暗，无法手动对焦。现在7D可以在3寸高清彩显上自动曝光，小光圈或暗光下高清彩显依然明亮，手动对焦没有任何问题。高清彩显上还有白色对焦框，可以用专用的多方向功能按钮360度移动，非常方便。此外，7D还有专用的放大功能按钮，提供5倍和10倍的屏幕放大功能，对手动对焦特别有帮助。
5。选图片风格(Picture Style)。为了能保留下更多的光影细节，就必须缩小反差。可以在7D选取中性(Neutral)图片风格，然后将锐度(Sharpness)，反差(Contrast)调到最低-4档，将颜色饱和度(Color Saturation)调到-2档。这样拍摄出来的视频或照片保留有很多的光影细节，有利于后期图像软件的处理。Adobe公司的Photoshop软件是处理照片的业界标准，Premier Pro + After Effects软件是处理视频的业界标准。但是也有专业人士认为，7D视频模式下信息收集速率是1800MB/s，但存储速率只是45MB/s，绝大部分都过滤掉了，所以最好选取模仿特种胶片的图片风格，从而尽可能多的保留亮度和颜色的信息。现在网络上有免费下载的模仿柯达，富士等胶片的图片风格，柯达胶片偏暖色，比富士胶片更自然主义，还原更真实；富士胶片偏冷色，稍微偏蓝绿，偏品红。
6。图像后处理。如果照片反差很小，就必须经过后期对曲线进行调整。可以根据自己的需要保留想留下的影调，再提高反差。可以用Photoshop/After Effects软件中的套索、编辑、图像调整（曲线、色阶、色彩平衡、饱和度)、图层(图层样式，混合选项)、选择(全选、反选、色彩选择、羽化)、滤镜(模糊、杂色、锐化)等功能进行调整和修改。
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